Muriel (1994) : P.J. Hogan podpisuje komedię o smaku gorzkim-słodkim na temat marzeń o ucieczce i poszukiwania tożsamości

Z Muriel, P.J. Hogan przekształca marzenie o idealnym życiu w australijską komedię, która jest tak kolorowa, jak i ostra. Toni Collette gra samotną młodą kobietę, która liczy na ucieczkę od pogardy swojego otoczenia poprzez przekształcenie siebie. Za piosenkami ABBA i popowymi kolorami film obserwuje ciężar pozorów, przemoc konformizmu oraz trudności w znalezieniu swojego miejsca.

Premiera w 1994 roku wpisuje się w okres, w którym australijskie kino stuprocentowo przejawia bardziej zróżnicowaną twarz. Po widoczności zyskanej przez Petera Weira czy Georga Millera, przemysł pozostaje kruchy i nadal jest zależny od nieoczekiwanych sukcesów, takich jak Crocodile Dundee. P.J. Hogan wybiera inną drogę niż Baz Luhrmann: zamiast uczynić spektakl stałym silnikiem, polega na popularnej komedii, aby eksplorować konkretne emocje i blizny.

Lokalna komedia o uniwersalnych echem

Główną scenerią jest Porpoise Spit, fikcyjne miasteczko nadmorskie, gdzie ambicje zdają się krążyć w kółko. Okrutne rozmowy i drobne upokorzenia tworzą codzienność Muriel, której nie akceptują młode kobiety z jej otoczenia i która jest niedoceniana w rodzinie. To australijskie osadzenie nadaje opowieści precyzyjnej tekstury, nie zamykając jej w prostym regionalnym kronice.

Hogan częściowo czerpie z własnych doświadczeń, aby ukształtować ten świat zarówno karykaturalny, jak i wiarygodny. Postaci są zarysowane wyraźnymi konturami, ale ich nadmiary mają coś znajomego: próżność, uraza i pragnienie społecznego sukcesu przejawiają się z jednej sceny do drugiej. Komedia nie czyni ich nieszkodliwymi. Wręcz przeciwnie, odsłania okrucieństwo, które kryje się za uprzejmościami i zewnętrznymi uśmiechami.

To połączenie między społeczną obserwacją a intymną narracją pozwala filmowi przekroczyć granice swojego kraju. Muriel nie marzy tylko o małżeństwie: ona szuka widocznego dowodu swojej wartości, w środowisku, w którym kobiety są oceniane na podstawie swojego wyglądu, popularności i przyszłości małżeńskiej. Fabuła w ten sposób ukazuje głęboko osadzoną presję społeczną, której mechanizmy mogą rezonować wśród szerszej publiczności.

Reinwencja, czy nauka niegrania roli

Na początku opowieści Muriel kurczowo trzyma się przekonania, że małżeństwo uwolni ją od jej przeciętnego życia. Jej kłamstwa i rozczarowania oddalają ją stopniowo od Porpoise Spit, aż do jej wyjazdu do Sydney. Ta geograficzna zmiana otwiera możliwość nowego początku, nie zacierając jednak sprzeczności, które ją otaczają.

Spotkanie z Rhondą, graną przez Rachel Griffiths, oznacza kluczowy zwrot. Między obiema młodymi kobietami rodzi się przyjaźń, która nie opiera się na konformizmie ani na rywalizacji. Dla Muriel ta relacja oferuje coś rzadkiego: możliwość bycia akceptowaną bez potrzeby naśladowania wyidealizowanej wersji siebie.

W Sydney bohaterka zmienia fryzurę, status, a nawet imię: Muriel staje się Mariel. Jej nowa niezależność opiera się jednak na wątpliwych fundamentach, ponieważ ukradła pieniądze swojemu ojcu, aby uciec od swojego dawnego życia. Ta metamorfoza nie stanowi więc prostej ani natychmiastowej wolności. Film ujawnia ambiwalencję emancipacji osiągniętej kosztem kłamstwa.

Poszukiwanie Muriel przybiera formę przedstawienia. Stara się przypominać tę, którą wyobraża sobie, że powinna być, aby zasłużyć na uczucie innych, aż do momentu, gdy myli sukces z walidacją społeczną. Jej wymarzone małżeństwo buduje się jak dekoracja: suknie, fotografie i ceremonia składają się na obraz szczęścia, który bohaterka uważa za realny. Ale obraz to nie tożsamość, a film pokazuje kruchość tej iluzji.

ABBA, popowe kolory i ukryta melancholia

Reżyseria gra najpierw jaskrawymi, niemal kwaskowatymi kolorami, które nadają filmowi blask pocztówki. Ta pastelowa powłoka szybko kontrastuje z surowością dialogów i przenikliwym spojrzeniem na postaci. Ten dysonans tworzy niezwykły ton: fantazja przyciąga, podczas gdy melancholia przemyca się pod powierzchnię sztuczności.

Muzyka ABBA towarzyszy marzeniom Muriel i kształtuje część jej wewnętrznego świata. Piosenki wlewają radosną energię do jej codzienności, ale podkreślają również dystans między życiem, które sobie wyobraża, a tym, przez które faktycznie przechodzi. Pokój ozdobiony plakatami staje się schronieniem dla wymarzonej przyszłości, karmionej popem i obietnicami spektaklu.

Kitsch nigdy nie jest prostą ozdobą. Dekoracje, kostiumy i wzmocnione gesty oddają potrzebę Muriel, aby przekształcić swoje istnienie w bardziej atrakcyjny scenariusz. W tym uniwersum każda zmiana wyglądu zdaje się zapowiadać nową wersję samej siebie. Tym niemniej, najbardziej poruszające sceny pojawiają się, gdy film na chwilę zdejmuje komediowy kostium.

Toni Collette nadaje postaci wyjątkową obecność, łącząc niezręczność, pewność siebie i wrażliwość. Może sprawić, że Muriel wydaje się szczerze śmieszna, nie redukując jej jednak do łatwego celu, a następnie w kolejnej chwili budzi niespodziewane emocje. Naprzeciw niej Rachel Griffiths wnosi do Rhondy szczerość i ciepło, które czynią ich więź szczególnie cenną.

Postacie drugoplanowe również przyczyniają się do żywotności całości. Bill Hunter, w roli ojca, wciela się w zmęczoną autorytet, przywiązaną do niemal wyimaginowanego prestiżu politycznego. Postaci drugoplanowe często występują w kilku ostrych rysach, ale te krótkie portrety nadają małej społeczności społeczną głębię i zjadliwy humor.

Trajektoria, która podważa obietnice bajki

Sukces filmu polega w dużej mierze na tym, jak potrafi zaspokoić oczekiwania widza. Wyjazd do Sydney początkowo wydaje się uniesieniem; nowy wygląd Muriel wydaje się potwierdzać, że marzenie staje się rzeczywistością. Następnie wydarzenia przypominają, że zmiana scenerii nie wystarczy, aby pozbyć się starych ran.

Choroba Rhondy osłabia szczęście, które Muriel uważała za znalezione. Podczas gdy jej przyjaciółka przechodzi poważną próbę, bohaterka zbliża się do swojego celu małżeństwa i paradoksalnie oddala się od relacji, która pozwoliła jej być sobą. Ten kontrast nadaje opowieści słodko-gorzki wymiar: oczekiwany awans społeczny niekoniecznie zapewnia emocjonalną wolność.

Małżeństwo, przedstawione jako punkt kulminacyjny jej ścieżki, okazuje się częściowo fałszywe. Ceremonia potwierdza normy, które zamykają młode kobiety w ciasnej definicji sukcesu. Muriel przez długi czas internalizowała te kryteria, aż zaczęła mierzyć swoją wartość według idealu, który od początku ją odrzucał.

Powrót do Porpoise Spit nabiera zatem innego znaczenia niż wyjazd. Muriel wraca do miejsca, z którego chciała uciec, ale nie znajduje się już dokładnie w tej samej pozycji. Opowieść sugeruje formę nowego twierdzenia: może zacząć się budować, nie polegając całkowicie na spojrzeniach innych ani na obrazie, który sobie narzuciła.

Kamień milowy australijskiego kina, odkryty w edycji wideo

Sukces Muriel w Australii towarzyszył znaczny sukces w Stanach Zjednoczonych i we Francji, gdzie film spotkał się z dużą publicznością. Jego trajektoria pokazuje, jak silna komedia związana z miejscem i postaciami może dotknąć poza swoim kontekstem. W latach 90. ta zdolność do podróżowania lokalnych opowieści przyczynia się do odnowienia widoczności australijskiego kina.

Film wyróżnia się także swoją pozycją w karierze P.J. Hogana. Po kilku krótkometrażowych filmach i pracy nad pierwszym pełnometrażowym filmem Jocelyne Moorhouse, Proof, podpisuje tutaj osobistą pracę, wyróżniającą się natychmiast rozpoznawalnym tonem. Współpraca artystyczna z Moorhouse, producentką filmu, trwa także w okresie, gdy nowi australijscy twórcy zdobywają miejsce na międzynarodowej scenie.

Trzydzieści lat po premierze, francuskie wydanie BubbelPop umożliwia odkrycie długometrażowego filmu w 4K UHD i Blu-ray. Mediabook łączy dyski z sześćdziesięciostronicowym broszurą i książką ślubną związaną z filmem. Edycja kolekcjonerska, oferowana wyłącznie w Fnac, zawiera m.in. zaproszenie ślubne i cztery fotografie.

Dodatki przedłużają eksplorację dzieła. Czterdziestominutowa wymiana z P.J. Hoganem i Jocelyne Moorhouse powraca do jego twórczości, a analiza dziennikarza muzycznego Oliviera Cachina rzuca światło na miejsce ABBA w popowym imaginarium. Archiwalne wywiady z Toni Collette, Rachel Griffiths i Billem Hunterem uzupełniają te materiały i dają dostęp do perspektyw wykonawców.

Ta nowa prezentacja zaprasza do rozważenia filmu w całej jego wyjątkowości: komedia popularna o akcentach społecznych, z dala od standardowych przepisów, która łączy złośliwość i czułość. Jego kitschowa estetyka, ostre dialogi i interpretacja Toni Collette zachowują swoją siłę, podczas gdy restauracja ujawnia szczegóły z należytą starannością. Aby kontynuować odkrywanie innych dzieł i szlaków związanych z kinem, można również przeczytać ten artykuł poświęcony dwóm dziełom George’a Kinga przedstawionym przez Indicator Powerhouse, a także ten wywiad z Muriel d’Ansembourg wokół Truly Naked.