Avec Où vont les âmes, Brigitte Poupart signe un premier long-métrage de fiction intime et délicat. À travers le choix bouleversant d’Anna, 18 ans, qui demande l’aide médicale à mourir, le film explore les liens familiaux, le deuil et cette énigme qui demeure : que devient une âme au seuil de la mort ?
Avec Où vont les âmes, Brigitte Poupart aborde l’aide médicale à mourir à travers l’histoire d’Anna, une jeune femme de 18 ans atteinte d’une maladie incurable. Dans ce premier long-métrage de fiction, le choix de l’héroïne fait ressurgir les fractures d’une famille et oblige chacune à regarder en face la souffrance, l’attachement et la perte. Le film avance avec délicatesse, entre gravité du sujet et beauté troublante des images. Réalisatrice, documentariste et metteuse en scène, Brigitte Poupart construit ici un récit resserré autour d’une décision irréversible. Anna a choisi de recourir à l’aide médicale à mourir, après des années passées avec la maladie. Le film ne traite pas cette décision comme une simple péripétie dramatique : il en observe les résonances intimes, familiales et morales. Tourné en 28 jours, ce quasi-huis clos réunit un casting exclusivement féminin et concentre son attention sur les relations entre les personnages. Le temps semble à la fois suspendu et compté. Une présence silencieuse, un échange difficile ou un geste retenu donnent alors au récit sa tension particulière, sans réduire l’héroïne à son état de santé. La décision d’Anna fait revenir autour d’elle des membres d’une famille longtemps dispersée. Sa mère, profondément bouleversée, reste auprès de sa fille avec une présence constante, tandis que ses demi-sœurs retrouvent une jeune femme dont elles ont été éloignées. Entre elles se ravivent les blessures anciennes, les silences et les questions qui n’ont jamais trouvé leur place. Dans cette proximité imposée par l’urgence, chaque lien paraît pouvoir se défaire ou se transformer. Le père, figure lointaine et patriarcale, pèse sur cette famille même lorsqu’il n’est pas au centre de la scène. Son absence n’efface pas son influence ; elle souligne au contraire les rapports de pouvoir et les ressentiments qui ont contribué à éloigner les proches. Poupart expose ces tensions sans transformer ses personnages en simples porte-voix d’un débat. Les retrouvailles entre Anna et ses demi-sœurs ne ressemblent pas à une réconciliation facile. Elles sont traversées par des années d’absence, par les mots retenus et par la difficulté de revenir vers celles que l’on connaît à peine. Pourtant, des instants de douceur apparaissent au milieu de cette fragilité. Ils n’annulent pas le passé, mais ouvrent un espace où les personnages peuvent tenter de se rencontrer autrement. La mère occupe une place émotionnelle essentielle. Sa présence traduit l’attachement profond à sa fille, mais aussi l’impuissance douloureuse de celle qui accompagne une décision qu’elle ne peut pas entièrement porter à la place de l’autre. Le film laisse coexister l’amour, la peur et le désaccord, sans prétendre leur apporter une réponse définitive. Cette retenue préserve la complexité d’un sujet où les certitudes se heurtent à l’expérience vécue. La nature luxuriante compose un contrepoint saisissant à l’urgence qui pèse sur Anna. Des tableaux champêtres, des jeux de lumière et des couleurs travaillées font surgir une poésie tantôt apaisante, tantôt inquiétante. Le cheval, le piano et les paysages deviennent des refuges symboliques, tandis que l’eau est associée à la fatalité et à l’approche de la mort. Ces motifs donnent au film une dimension sensorielle qui dépasse le seul dialogue. Les cadrages anamorphiques et la profondeur de champ resserrée créent une impression d’intimité, comme si le regard du spectateur était convié au plus près des personnages. Cette proximité ne signifie pas que tout soit expliqué. Au contraire, l’image conserve des zones d’ombre, à la mesure des sentiments contradictoires qui traversent la famille. Le paysage paraît parfois offrir un lieu de paix, mais cette paix reste fragile et provisoire. La mise en scène alterne les échanges éprouvés et des scènes allégoriques, presque suspendues hors du temps. Ces séquences évoquent par moments la grandeur d’une tragédie, tout en laissant une place importante aux gestes les plus simples. La beauté visuelle ne gomme pas la souffrance : elle la rend parfois plus perceptible. Le spectateur est placé dans une posture de témoin, invité à observer sans recevoir de verdict prêt à l’emploi. Cette attention portée aux images peut rappeler d’autres formes de cinéma singulier, où le voyage est autant une expérience intérieure qu’un déplacement dans un univers esthétique. On peut, par exemple, découvrir le parcours proposé par le deuxième chapitre de L’Étrange Festival 2026, ou explorer l’approche de Valeska Grisebach, entre cinéma et rêve. Ces échos ouvrent des pistes de lecture sans confondre leurs univers avec celui de Poupart. La lenteur du rythme permet au film de s’attarder sur les visages et les silences, mais elle peut aussi accentuer la solennité de certaines scènes. La photographie vaporeuse, l’usage appuyé de la musique et le montage parfois démonstratif créent une tonalité très mélodramatique. Par moments, l’émotion semble guidée avec insistance, au risque de rendre quelques passages artificiels. Cette réserve n’efface toutefois ni la sincérité du projet ni la délicatesse accordée aux personnages. Le récit flirte avec le plaidoyer, puisqu’il place au premier plan le droit des personnes en souffrance à décider de leur fin de vie. Mais il ne réduit pas l’enjeu à une formule. La famille est traversée par des réactions distinctes, et le film donne à voir la difficulté de partager une décision qui appartient d’abord à Anna. Sa manière d’interroger l’autonomie, l’accompagnement et la dignité demeure ainsi attachée aux émotions concrètes de ses protagonistes. Dans cette perspective, les œuvres consacrées aux souvenirs ou aux frontières de l’existence offrent d’autres chemins pour réfléchir aux liens entre mémoire et identité. Le livre évoqué dans l’article sur Arthur Dreyfus et Les Madeleines place lui aussi le souvenir au cœur d’une exploration intime. Côté cinéma de genre, le parcours de Gary Sherman autour de Dead and Buried aborde la mort dans un registre très différent. Ces rapprochements rappellent la diversité des formes par lesquelles les artistes interrogent ce qui demeure après la perte. Le temps imparti à Anna modèle chaque rencontre et donne aux retrouvailles une urgence particulière. Les moments de joie ne sont pas présentés comme une guérison miraculeuse ; ils existent à côté de la maladie, dans un présent qui demeure précieux précisément parce qu’il est limité. Les sœurs cherchent leur place auprès d’elle, tandis que leur histoire commune reste incomplète. Ainsi, la famille tente moins de réparer le passé que d’habiter ensemble ce qui reste. L’approche de la mort, telle que le film la met en scène, ne se confond pas avec une disparition abstraite. Elle touche aux corps, aux gestes d’accompagnement et à la manière de respecter la volonté de la personne concernée. La solennité du rendez-vous final donne à cette attention une force singulière. La caméra observe la situation avec gravité, sans détourner le regard et sans transformer la patiente en symbole désincarné. Le cheminement vers l’acceptation n’est ni uniforme ni linéaire. Pour la mère, les sœurs et Anna, il prend des formes différentes, parfois incompatibles. C’est dans cette pluralité que le mélodrame trouve ses nuances : les personnages ne ressentent pas la même chose au même moment, et leurs paroles ne suffisent pas toujours à rapprocher les points de vue. La possibilité d’une réconciliation demeure douce-amère, suspendue aux gestes plutôt qu’aux grandes déclarations. Le film peut susciter des discussions autour de la liberté individuelle, de l’accompagnement médical et de la place des proches, sans se substituer à la parole des personnes directement concernées. Sa mise en scène invite à considérer ces questions avec prudence et empathie. Pour élargir le regard sur les voyages cinématographiques singuliers, l’exploration de Sham par Takashi Miike offre un autre exemple de récit où l’expérience du spectateur se construit à travers l’atmosphère et la perception. Chez Poupart, cette expérience reste étroitement liée à la présence d’Anna et aux visages de celles qui l’entourent. La singularité de Où vont les âmes tient enfin à cette tension entre l’inéluctable et la douceur des instants partagés. Anna s’interroge sur la brièveté de sa vie, tandis que les autres personnages tentent de comprendre comment rester auprès d’elle sans effacer son choix. La nature, les silences et les retrouvailles donnent à cette interrogation une forme sensible. Le récit laisse alors ouvertes les questions de l’héritage affectif, du deuil et de la manière dont une famille peut continuer à se parler lorsque le temps manque.Un choix intime au cœur d’une histoire familiale
Une famille réunie par les non-dits et la douleur
Des images qui font dialoguer la vie et sa fragilité
La poésie visuelle face au risque du pathos
Le poids du temps, entre acceptation et résistance
Avec Où vont les âmes, Brigitte Poupart fait du mystère contenu dans son titre une question intime, ancrée dans l’expérience d’Anna. À 18 ans, la jeune femme vit avec une maladie incurable et choisit de recourir à l’aide médicale à mourir. Le film ne cherche pas à résoudre ce que devient une âme, ni à imposer une réponse à cette décision. Il accompagne plutôt les pensées, les craintes et les élans d’une jeune personne confrontée à la finitude, tout en donnant une place essentielle à celles qui l’entourent.
Dans le cadre resserré de cette fiction, la mort à venir fait remonter les blessures d’une famille éloignée de son père et marquée par les absences. La mère d’Anna demeure auprès d’elle, tandis que ses demi-sœurs réapparaissent avec leurs souvenirs et leurs non-dits. Ces retrouvailles ne réparent pas tout : elles ouvrent un espace fragile où peuvent se dire la douleur, la colère et, parfois, une forme de tendresse. L’âme, ici, semble aussi désigner ce qui relie les êtres, même lorsque les liens ont été défaits ou abîmés.
La mise en scène fait résonner ces tensions par des images chargées de symboles. La nature, le cheval et le piano offrent des refuges passagers; l’eau, elle, rappelle l’approche de l’inéluctable. La lumière et les couleurs composent un univers à la fois doux et inquiétant, où la beauté des paysages contraste avec la fragilité d’Anna. Cette poésie visuelle accompagne les personnages sans effacer la gravité de leur situation. Le rythme lent et l’intensité mélodramatique peuvent parfois souligner avec insistance l’émotion, mais les interprètes lui donnent une présence profondément incarnée.
À mesure que le temps se resserre, le film observe les gestes de préparation, les paroles échangées et les silences qui prennent une autre densité. Le voyage évoqué par le titre reste alors suspendu entre croyance, absence et mémoire, tandis que chaque proche cherche sa manière d’habiter l’instant auprès d’Anna.
