Con Dove vanno le anime, Brigitte Poupart firma un primo lungometraggio di fiction intimo e delicato. Attraverso la scelta straziante di Anna, 18 anni, che chiede aiuto medico per morire, il film esplora i legami familiari, il lutto e questo enigma che rimane: che fine fa un’anima al confine della morte?
Con Dove vanno le anime, Brigitte Poupart affronta l’aiuto medico per morire attraverso la storia di Anna, una giovane donna di 18 anni affetta da una malattia incurabile. In questo primo lungometraggio di fiction, la scelta dell’eroina riporta alla luce le fratture di una famiglia e costringe ciascuno a confrontarsi con la sofferenza, l’attaccamento e la perdita. Il film avanza con delicatezza, tra la gravità del tema e la bellezza inquietante delle immagini. Regista, documentarista e direttrice di scena, Brigitte Poupart costruisce qui un racconto serrato attorno a una decisione irreversibile. Anna ha scelto di ricorrere all’aiuto medico per morire, dopo anni trascorsi con la malattia. Il film non tratta questa decisione come una semplice peripezia drammatica: ne osserva le risonanze intime, familiari e morali. Girato in 28 giorni, questo quasi-chiuso riunisce un cast esclusivamente femminile e concentra la sua attenzione sulle relazioni tra i personaggi. Il tempo sembra sottosopra e conteso. Una presenza silenziosa, uno scambio difficile o un gesto trattenuto conferiscono al racconto una particolare tensione, senza ridurre l’eroina al suo stato di salute. La decisione di Anna fa tornare intorno a lei membri di una famiglia a lungo dispersa. Sua madre, profondamente scossa, resta accanto alla figlia con una presenza costante, mentre le sue sorellastre ritrovano una giovane donna da cui erano state allontanate. Tra di loro riemergono le ferite antiche, i silenzi e le domande che non hanno mai trovato il loro posto. In questa prossimità imposta dall’urgenza, ogni legame sembra potersi sciogliere o trasformare. Il padre, figura distante e patriarcale, grava su questa famiglia anche quando non è al centro della scena. La sua assenza non cancella la sua influenza; al contrario, sottolinea i rapporti di potere e i risentimenti che hanno contribuito ad allontanare i propri cari. Poupart espone queste tensioni senza trasformare i suoi personaggi in semplici portavoce di un dibattito. Le riunioni tra Anna e le sue sorellastre non somigliano a una riconciliazione facile. Sono attraversate da anni di assenza, da parole trattenute e dalla difficoltà di tornare verso coloro che si conoscono a malapena. Tuttavia, momenti di dolcezza emergono in mezzo a questa fragilità. Non annullano il passato, ma aprono uno spazio in cui i personaggi possono tentare di incontrarsi diversamente. La madre occupa un posto emozionale essenziale. La sua presenza traduce l’attaccamento profondo alla figlia, ma anche l’impossibilità dolorosa di colei che accompagna una decisione che non può portare completamente al posto dell’altro. Il film lascia coesistere amore, paura e disaccordo, senza pretendersi di dare loro una risposta definitiva. Questa riserva preserva la complessità di un tema dove le certezze si scontrano con l’esperienza vissuta. La natura lussureggiante costituisce un controcanto sorprendente all’urgenza che pesa su Anna. Quadri campestri, giochi di luce e colori lavorati fanno emergere una poesia talvolta rasserenante, talvolta inquietante. Il cavallo, il pianoforte e i paesaggi diventano rifugi simbolici, mentre l’acqua è associata alla fatalità e all’approccio della morte. Questi motivi danno al film una dimensione sensoriale che va oltre il semplice dialogo. Le inquadrature anamorfali e la profondità di campo ristretta creano un’impressione di intimità, come se lo sguardo dello spettatore fosse invitato a avvicinarsi ai personaggi. Questa prossimità non significa che tutto venga spiegato. Al contrario, l’immagine conserva zone d’ombra, in misura dei sentimenti contraddittori che attraversano la famiglia. Il paesaggio sembra talvolta offrire un luogo di pace, ma questa pace rimane fragile e provvisoria. La messa in scena alterna scambi dolorosi e scene allegoriche, quasi sospese nel tempo. Queste sequenze evocano a volte la grandezza di una tragedia, lasciando al contempo un posto importante ai gesti più semplici. La bellezza visiva non copre la sofferenza: a volte la rende più percepibile. Lo spettatore è posto in una posizione di testimone, invitato ad osservare senza ricevere un verdetto pronto all’uso. Questa attenzione per le immagini può ricordare altre forme di cinema singolare, dove il viaggio è tanto un’esperienza interiore quanto uno spostamento in un universo estetico. Si può, ad esempio, scoprire il percorso proposto da il secondo capitolo di L’Étrange Festival 2026, o esplorare l’approccio di Valeska Grisebach, tra cinema e sogno. Questi echi aprono piste di lettura senza confondere i loro universi con quello di Poupart. La lentezza del ritmo consente al film di soffermarsi sui volti e sui silenzi, ma può anche accentuare la solennità di alcune scene. La fotografia vaporosa, l’uso accentuato della musica e il montaggio talvolta dimostrativo creano una tonalità molto melodrammatica. A tratti, l’emozione sembra guidata con insistenza, al rischio di rendere alcuni passaggi artificiali. Tuttavia, questa riserva non cancella né la sincerità del progetto né la delicatezza accordata ai personaggi. Il racconto flirta con il manifesto, poiché pone in primo piano il diritto delle persone sofferenti a decidere della propria fine vita. Ma non riduce la questione a una formula. La famiglia è attraversata da reazioni distinte, e il film mostra la difficoltà di condividere una decisione che appartiene prima di tutto ad Anna. Il suo modo di interrogare l’autonomia, l’accompagnamento e la dignità rimane così legato alle emozioni concrete dei suoi protagonisti. In questa prospettiva, le opere dedicate ai ricordi o ai confini dell’esistenza offrono altri percorsi per riflettere sui legami tra memoria e identità. Il libro menzionato in questo articolo su Arthur Dreyfus e Les Madeleines colloca anch’esso il ricordo al centro di un’esplorazione intima. Nel cinema di genere, il percorso di Gary Sherman attorno a Dead and Buried affronta la morte in un registro molto diverso. Questi accostamenti ricordano la varietà delle forme attraverso cui gli artisti interrogano ciò che rimane dopo la perdita. Il tempo concesso ad Anna modella ogni incontro e dà alle riunioni un’urgenza particolare. I momenti di gioia non vengono presentati come una guarigione miracolosa; esistono accanto alla malattia, in un presente che rimane prezioso proprio perché è limitato. Le sorelle cercano il loro posto accanto a lei, mentre la loro storia comune rimane incompleta. Così, la famiglia tenta meno di riparare il passato che di abitare insieme ciò che resta. Il modo di affrontare la morte, così come il film lo mette in scena, non si confonde con una scomparsa astratta. Tocca ai corpi, ai gesti di accompagnamento e al modo di rispettare la volontà della persona interessata. La solennità dell’appuntamento finale conferisce a questa attenzione una forza singolare. La macchina da presa osserva la situazione con gravità, senza distogliere lo sguardo e senza trasformare la paziente in un simbolo disincarnato. Il percorso verso l’accettazione non è né uniforme né lineare. Per la madre, le sorelle e Anna, assume forme diverse, talvolta incompatibili. È in questa pluralità che il melodramma trova le sue sfumature: i personaggi non sentono la stessa cosa nello stesso momento, e le loro parole non bastano sempre a far avvicinare i punti di vista. La possibilità di una riconciliazione rimane dolce-amara, sospesa ai gesti piuttosto che alle grandi dichiarazioni. Il film può suscitare discussioni attorno alla libertà individuale, all’accompagnamento medico e al ruolo dei familiari, senza sostituirsi alla parola delle persone direttamente coinvolte. La sua messa in scena invita a considerare queste questioni con cautela ed empatia. Per ampliare lo sguardo sui viaggi cinematografici singolari, l’esplorazione di Sham da parte di Takashi Miike offre un altro esempio di racconto in cui l’esperienza dello spettatore si costruisce attraverso l’atmosfera e la percezione. Da Poupart, questa esperienza rimane strettamente legata alla presenza di Anna e ai volti di coloro che la circondano. La singolarità di Dove vanno le anime sta infine in questa tensione tra l’inevitabile e la dolcezza dei momenti condivisi. Anna si interroga sulla brevità della sua vita, mentre gli altri personaggi tentano di capire come restare accanto a lei senza cancellare la sua scelta. La natura, i silenzi e le riunioni conferiscono a questa interrogazione una forma sensibile. Il racconto lascia quindi aperte le domande sull’eredità affettiva, sul lutto e su come una famiglia possa continuare a comunicare quando il tempo scarseggia.Una scelta intima al cuore di una storia familiare
Una famiglia riunita dai non detti e dal dolore
Immagini che fanno dialogare la vita e la sua fragilità
La poesia visiva di fronte al rischio del pathos
Il peso del tempo, tra accettazione e resistenza
Con Dove vanno le anime, Brigitte Poupart fa del mistero contenuto nel suo titolo una questione intima, radicata nell’esperienza di Anna. A 18 anni, la giovane donna vive con una malattia incurabile e sceglie di ricorrere all’aiuto medico per morire. Il film non cerca di risolvere ciò che diventa un’anima, né di imporre una risposta a questa decisione. Accompagna piuttosto i pensieri, le paure e gli slanci di una giovane persona di fronte alla finitudine, dando allo stesso tempo un posto essenziale a coloro che la circondano.
Nel quadro ristretto di questa fiction, la morte imminente fa riemergere le ferite di una famiglia allontanata da suo padre e segnata dalle assenze. La madre di Anna rimane accanto a lei, mentre le sue sorellastre riappaiono con i loro ricordi e i loro non detti. Questi incontri non riparano tutto: aprono uno spazio fragile dove possono essere detti il dolore, la rabbia e, a volte, una forma di tenerezza. L’anima, qui, sembra anche designare ciò che unisce gli esseri, anche quando i legami sono stati spezzati o danneggiati.
La messa in scena fa risuonare queste tensioni attraverso immagini cariche di simboli. La natura, il cavallo e il pianoforte offrono rifugi transitori; l’acqua, invece, ricorda l’approccio dell’inevitabile. La luce e i colori compongono un universo sia dolce che inquietante, dove la bellezza dei paesaggi contrasta con la fragilità di Anna. Questa poesia visiva accompagna i personaggi senza cancellare la gravità della loro situazione. Il ritmo lento e l’intensità melodrammatica possono talvolta sottolineare insistentemente l’emozione, ma gli interpreti le conferiscono una presenza profondamente incarnata.
Man mano che il tempo si restringe, il film osserva i gesti di preparazione, le parole scambiate e i silenzi che assumono una densità diversa. Il viaggio evocato dal titolo rimane allora sospeso tra fede, assenza e memoria, mentre ogni familiare cerca il proprio modo di abitare il momento accanto ad Anna.
