Con Resident Evil, Zach Cregger prende le redini di una nuova rilettura della saga, dove l’umorismo tagliente cede poco a poco il posto a un’orrore viscerale. In una notte che si trasforma in incubo, un normale corriere affronta una contaminazione mostruosa e un mondo che perde i suoi riferimenti.
Con la sua rilettura di Resident Evil, Zach Cregger abbandona i codici dell’azione spettacolare per ritornare a un’orrore organico, oscuro e imprevedibile. Il film segue Bryan, un corriere medico ordinario coinvolto in una notte sempre più inquietante a Raccoon City. Tra umorismo macabro, creature deformi e il crollo dei riferimenti, questa nuova adattazione trasforma un tragitto banale in un tuffo tragico in un mondo contaminato.
Dopo Barbare e Évanouis, il cineasta torna in un universo dove la minaccia non si limita a emergere sullo schermo: si infiltra in ogni spazio, fessura le relazioni e contamina la narrazione stessa. Il suo approccio privilegia una paura progressiva, alimentata dall’impressione che la quotidianità possa capovolgersi prima ancora che i personaggi comprendano cosa stia loro accadendo. Il risultato si allontana dalle avventure d’azione fracassone per riconnettersi a una tensione più appiccicosa, vicina all’atmosfera dei giochi originali.
Una corsa notturna dalle sembianze di una farsa
All’inizio, Bryan sembra soprattutto vittima della sua stessa goffaggine. Interpretato da Austin Abrams, già visto in un ruolo secondario in Évanouis, questo corriere medico cerca semplicemente di far convalidare la consegna di un pacco in un ospedale sovraccarico. La scena adotta allora un tono quasi burlesco: le istruzioni si confondono, i corridoi sembrano interminabili e l’eroe fatica a trovare il suo posto in un’istituzione in piena disorganizzazione.
Una responsabile gli affida infine una nuova corsa, questa volta verso Raccoon City, nel cuore delle montagne del Colorado. Il sacco refrigerato che trasporta dà una destinazione al suo viaggio, ma anche un’incidenza materiale a una storia in cui tutto sembra rapidamente sfuggire al controllo umano. Per gli spettatori che amano prolungare l’esperienza videoludica dopo una proiezione, questa selezione di giochi imperdibili da cogliere durante la vendita per il trentesimo anniversario di PlayStation offre un altro modo di ritrovare universi significativi.
Quando il riso amplifica la paura
La leggerezza dei primi momenti non serve a rassicurare a lungo: prepara un contrasto sempre più crudele. Su una strada innevata, Bryan incontra esseri infetti e creature la cui apparenza trasforma il paesaggio in un territorio ostile. L’episodio di una fattoria isolata alterna così brividi decisi e comicità fisica, talvolta basata su goffaggini tanto prevedibili quanto esilaranti.
Questo mix può sorprendere, ma conferisce al film un’identità particolare. La risata non neutralizza la violenza; talvolta la rende più scomoda, perché i corpi sono a un tempo oggetti di scherzo, di sofferenza e di trasformazione. Questa alleanza tra grottesco e gore ricorda che l’orrore può passare anche attraverso una gestualità assurda, un movimento sbagliato o una situazione la cui brutalità finisce per superare ogni misura.
Man mano che la notte avanza, la farsa sociale si dissolve in una minaccia molto più vasta. Le tappe successive del tragitto privano Bryan dei suoi riferimenti, mentre lo spazio familiare diventa estraneo e la città si trasforma in un’ambientazione quasi infernale. Questo crescendo ricorda alcuni racconti di deriva notturna, dove ogni deviazione allontana un po’ di più il protagonista da qualsiasi via d’uscita ragionevole.
Un protagonista ordinario di fronte all’effrazione
Bryan non ha nulla di un eroe immediatamente pronto a salvare qualcuno. La sua goffaggine lo rende accessibile e il suo status di semplice corriere lo ancorano a una realtà riconoscibile prima che il racconto lo porti verso l’extraordinario. Si può così leggere la sua evoluzione come una deformazione progressiva dell’umanità: guadagna in efficienza in un mondo che premia la brutalità, ma questa adattamento minaccia di renderlo irriconoscibile.
Il pacco che trasporta diventa quindi molto più di un pretesto narrativo. Rappresenta l’unica risorsa concreta di cui dispone per affrontare l’infezione, anche se la catastrofe sembra diffondersi più rapidamente della sua capacità di agire. La tensione nasce da questa sproporzione tra un individuo isolato e una minaccia che inghiotte le istituzioni, i luoghi di rifugio e i legami personali.
Una metamorfosi al centro del racconto
La trasformazione del personaggio non segue il percorso classico di un eroe trionfante. Bryan rimane vulnerabile, commette errori e si trova spesso sopraffatto dagli eventi. Tuttavia, ogni prova lo costringe ad agire in modo diverso, fino a quando il suo corpo goffo apprende i gesti necessari alla sopravvivenza, a costo di una inquietante prossimità con la violenza ambientale.
Questo percorso echeggia l’idea centrale del film: l’infezione non modifica solo i corpi, ma sconvolge anche i valori e i comportamenti. Il personaggio che prima cerca di evitare i guai si trova progressivamente al centro di un mondo in cui la compassione non è più sufficiente a proteggere nessuno. La sua progressione mantiene una dimensione tragica, poiché diventare più adatto a sopravvivere non significa necessariamente preservare ciò che lo rende umano.
La catastrofe assume così una forma sia intima che collettiva. Essa attraversa gli abitanti di Raccoon City, ma anche le relazioni affettive che Bryan pensava di poter ancora preservare. Di fronte a questa disintegrazione, il suo percorso non garantisce né una vittoria netta né un ritorno all’equilibrio: disegna piuttosto la lotta di un individuo contro una notte che continua a guadagnare terreno.
Mostri concepiti come incubi collettivi
Le creature costituiscono uno degli elementi più colpenti di questa rilettura. Le loro silhouette deformi evocano talvolta gli eccessi visivi del cinema fantastico degli anni ’80, senza ridursi a un semplice cenno nostalgico. Il loro aspetto inquietante deriva anche dal modo in cui più corpi sembrano amalgamarsi, dando vita a forme composite in cui braccia e gambe non compongono più un’anatomia familiare.
Questo lavoro sulla difformità iscrive i mostri in una logica di ricomposizione piuttosto che di semplice mutazione. Appaiono come assemblaggi viventi, quasi organizzati, la cui coesione evoca una comunità tanto inquietante quanto aggressiva. Sotto il loro aspetto grottesco si profila un’immagine di famiglia distrutta, ricomposta dalla malattia in una presenza collettiva che avanza, attacca e divora.
La fattoria innevata concentra efficacemente questa inquietudine. Il suo isolamento evoca i luoghi chiusi del cinema di fantascienza orrorifica, in particolare l’universo di The Thing, dove la minaccia trasforma la fiducia in sospetto. Ma qui, l’angoscia non rimane racchiusa tra alcune mura: essa sfugge per le strade e gradualmente conquista l’intera città.
Per gli appassionati di videogiochi, queste creature ricordano che l’orrore non si basa solo sulla potenza di una macchina o sulla nitidezza dell’immagine. Gli annunci su una console capace di far girare gran parte del catalogo Steam in 4K a 60 fotogrammi al secondo grazie al FSR illustrano, anch’essi, l’evoluzione dei mezzi tecnici di gioco; i dettagli si possono trovare in questo articolo su la tecnologia FSR e la nuova console di Valve. Nel film di Cregger, però, è proprio la concezione dei corpi e la loro presenza fisica che conferiscono ai mostri la loro sorprendente forza.
Le tracce fragili di un mondo passato
Due immagini discrete rischiarano l’oscurità del racconto senza interrompere il suo movimento. Nella fattoria, uno sguardo fugace a una fotografia mostra i vecchi proprietari prima della contaminazione, sereni e riuniti. Questo semplice dettaglio fa coesistere due stati di un medesimo luogo: la tranquillità passata e la brutalità presente, condensate in un cambio di inquadratura quasi furtivo.
Un’altra scena si svolge in un parcheggio sotterraneo, mentre Bryan si nasconde. Sul vetro posteriore di un’auto, un adesivo rappresenta una famiglia accompagnata dal suo cane. Il disegno rievoca la fotografia della fattoria e tocca una preoccupazione più personale: il personaggio si interroga anche su una possibile paternità, oggetto di disaccordo all’interno di una coppia già fragile.
La sua emozione di fronte a questa vignetta sta in ciò che essa rappresenta tanto quanto in ciò che annuncia. Le famiglie un tempo riconoscibili sono minacciate di diventare forme mostruose, corpi irriconoscibili uniti in una medesima violenza. Il film suggerisce allora che l’orrore non distrugge solo gli individui: cancella i legami che permettevano loro di riconoscersi come vicini.
Un adattamento fedele allo spirito dei giochi, senza nostalgia facile
Avvicinandosi all’atmosfera oscura dei primi giochi, il film sceglie una strada diversa rispetto alle precedenti adattazioni più orientate all’azione e alle imprese fisiche. La tensione poggia meno sulla virtuosità dei combattimenti che sull’impressione di trovarsi intrappolati in un ambiente che si dis piega. Questa direzione dovrebbe parlare ai giocatori legati a luoghi minacciosi, risorse limitate e incertezze, piuttosto che alla mera accumulazione di scene spettacolari.
Il racconto conserva però una dimensione ludica nella sua progressione. Ogni nuovo step porta una minaccia, un’estraneità o un ostacolo che modifica la percezione di ciò che precede. Questa struttura mantiene la curiosità senza trasformare la narrazione in una semplice successione di sfide: il pericolo evolve insieme a Bryan e al mondo che attraversa.
La contemporaneità del videogioco ricorda d’altronde che le adattazioni e le grandi franchise si collocano in un settore in perpetuo movimento. I dibattiti sui metodi di produzione lo testimoniano, come dimostra l’intervento di un ex dipendente di Capcom che denuncia il tempo che alcuni studi occidentali dedicano a Jira, come menzionato in questo articolo su gli strumenti di gestione e l’organizzazione degli studi. Sullo schermo, Cregger privilegia piuttosto la costruzione di un’esperienza sensoriale, dove la progressione dell’incubo dà coerenza all’intero.
Un’oscurità attraversata dal burlesco
Il tono del film non si fa incasellare in una sola categoria. La sua violenza grafica si accompagna a situazioni volutamente grottesche, mentre l’umorismo iniziale diventa più aspro man mano che i corpi diventano i supporti della paura. Questo contrasto impedisce allo spettatore di trovare la propria comodità in un registro unico, e conferisce ai passaggi comici una risonanza talvolta macabra.
Questa audacia deve anche al posto riservato alle debolezze del protagonista. Bryan non diventa bruscamente una figura invincibile; conserva qualcosa della sua imbarazzo, anche quando il pericolo lo costringe a superarsi. L’identificazione si costruisce così su una fragilità visibile, che rende ogni gesto di sopravvivenza più concreto e il passaggio alla mostruosità più disturbante.
Il film avanza quindi tra due poli: il riso corporeo e l’orrore viscerale. Uno non annulla mai l’altro, poiché entrambi si costruiscono attorno a corpi maltrattati, esposti e trasformati. La violenza diventa tanto più straziante quanto il racconto talvolta l’ha fatta precedere da uno scherzo che sembrava, un attimo prima, quasi innocente.
Questa ibride si iscrive in un paesaggio dove uscite, aggiornamenti e adattamenti alimentano costantemente le conversazioni dei giocatori. Per seguire un altro appuntamento atteso intorno alle licenze videoludiche, si può consultare questo punto su gli annunci previsti per il lungo Nintendo Direct. Il film, invece, si distingue per un approccio che preferisce l’ansia persistente alla semplice celebrazione di un marchio noto.
Un’esperienza d’orrore che privilegia l’impatto visivo
Gli amanti del gore e delle creature impressionanti troveranno in questa adattamento una proposta particolarmente fisica. La messa in scena insiste sulle silhouette, le deformazioni e la prossimità delle minacce, piuttosto che su una distanza rassicurante. Le sequenze horror cercano così di segnare la memoria per la loro stranezza tanto quanto per la loro brutalità.
La nerezza della trama non impedisce di mantenere un’energia di intrattenimento molto affermata. Il film sa provocare, sorprendere e rilanciare il suo racconto mediante delle rotture di tono, senza nascondere la gravità di ciò che narra. Questa coesistenza tra piacere di genere e visione pessimista dà all’insieme un colore singolare, dove lo spettacolare non scaccia mai completamente il disagio.
La cura riservata all’atmosfera contribuisce a questa impressione di inghiottimento. L’ospedale saturo, la strada innevata, la fattoria isolata e gli spazi urbani compongono tappe successive nella perdita di riferimenti. Ogni decor sembra trattenere una minaccia, come se la catastrofe avesse già preso possesso dei luoghi ancor prima che Bryan vi entri.
Gli spettatori sensibili alle immagini molto grafiche potrebbero preferire evitare alcune scene, mentre gli appassionati di orrore viscerale vi troveranno una messa in scena generosa. Il film si rivolge a chi apprezza racconti in cui i personaggi non hanno la certezza di uscire indenni dal loro confronto con l’ignoto. Per prolungare una serata dedicata al cinema e al gioco, questa guida dedicata alle offerte Blu-ray e a diversi giochi PS VR2 raccoglie anche alcune piste di scoperta a casa.
Con questa nuova versione di Resident Evil, Zach Cregger abbandona gli effetti spettacolari a favore di un’orrore più torbido, radicato nei corpi e nella progressiva perdita dei riferimenti. Il racconto si apre tuttavia su una nota quasi leggera: Bryan, corriere goffo incaricato di una missione medica, attraversa un quotidiano ospedaliero caotico prima di essere inviato a Raccoon City. Questo incipit, vicino alla commedia amara, rende ancor più straziante il passaggio a un mondo contaminato dove ogni tappa porta il suo carico di minacce.
Il regista organizza questa discesa come una notte che si chiude poco a poco sul suo personaggio. La fattoria isolata sotto la neve costituisce un primo territorio di prova, dove il burlesco fisico coesiste con affioramenti decisamente inquietanti. Poi la catastrofe si estende alla città trasformando il decor in un paesaggio da incubo. L’umorismo non serve a alleggerire questa violenza: sottolinea piuttosto l’assurdità delle situazioni e rende alcune scene ancora più scomode. La goffaggine di Bryan alimenta inizialmente l’identificazione, prima che il suo corpo e i suoi gesti vengano coinvolti in una metamorfosi inquietante.
I mostri partecipano pienamente a questa visione. Le loro forme composite evocano assemblaggi di membri e corpi, come se la contaminazione abolisse fino all’integrità degli individui. Questa immagine si ricollega ai rari segni di una vita familiare serena che il film disperde nel suo decor: una fotografia, un adesivo, tracce fragili di attaccamento. Il loro contrasto con la violenza ambientale conferisce all’incubo una dimensione tragica, al di là del terrore immediato.
Ritornando all’atmosfera appiccicosa del videogioco, Cregger propone un approccio singolare alla franchise, sia sanguinosa, grottesca che oscura. Resident Evil diventa così il terreno di un’esperienza in cui la paura avanza con un’ironia macabra, mentre l’umanità si disfa sotto i nostri occhi.
