Con Il Canto degli Ulivi, Alex Camilleri compone un road-movie maltese dai toni mediterranei, dove il canto tradizionale del għana collega una giovane donna in cerca di emancipazione a un custode della memoria. Tra poesia, malinconia ed energia, il film fa risuonare l’incontro di due generazioni.
Nel suo secondo lungometraggio, il cineasta maltese Alex Camilleri prende un’eredità inaspettata come punto di partenza per un viaggio attraverso l’isola. Il Canto degli Ulivi mescola dramma e road-movie, seguendo Mar, una giovane donna decisa a lasciare Malta, e Nenu, custode di una tradizione musicale singolare. Il loro incontro trasforma una ricerca di terre in un racconto di trasmissione, sostenuto dalle sonorità e dai paesaggi dell’arcipelago.
Il racconto si apre su una soglia: dopo la morte di sua madre, Mar considera di partire e di iniziare altrove. L’eredità che riceve ostacola però questa partenza, poiché diversi terreni poco identificati la costringono a percorrere Malta per ritrovarli. Da questo sforzo pratico nasce un viaggio interiore, sia vivo che malinconico, profondamente attaccato all’isola.
Mar, una ricerca di emancipazione lungo le strade maltesi
Mar non attraversa solo luoghi. Avanza con una rabbia contenuta, alimentata dalle tensioni familiari e dalla sensazione che il futuro si restringa per i giovani su un’isola ampiamente plasmata dal turismo. I terreni ereditati diventano allora molto più di un fascicolo da risolvere: la trattengono in un mondo che credeva di aver lasciato. Ogni deviazione dà al suo desiderio di emancipazione una forma concreta.
La struttura del film accompagna questo movimento senza ridurlo a una semplice caccia al tesoro. I riferimenti si spostano, gli incontri modificano l’itinerario e il viaggio assume un carattere quasi imprevedibile. Quando Mar incrocia Nenu, il racconto devia, come se la strada stessa avesse riservato spazio all’imprevisto. Il duo riunisce due generazioni, due modi di abitare l’isola e due rapporti con la memoria. Questa collisione non annulla le loro differenze: piuttosto, permette loro di guardarsi in modo diverso.
Il għana, una tradizione vivente che diventa linguaggio comune
Prima di svilupparsi come fiction, il film si radica in una sessione di għana, canto tradizionale maltese basato sullo scambio e sull’improvvisazione. Questo inizio conferisce immediatamente al racconto una texture documentaristica, attenta a una pratica trasmessa oralmente e plasmata dalla presenza degli interpreti. Nenu Borg vi appare interpretando se stesso, con la sicurezza di un artista la cui leggenda appartiene già alla cultura del suo paese. Così fa i suoi primi passi nel cinema a oltre ottanta anni, dopo aver interrotto le sfide cantate circa quindici anni prima. La sua presenza non somiglia a una semplice apparizione decorativa: apporta al film un’esperienza, un ritmo e una memoria incarnata.
Il għana si basa su risposte improvvisate, rime incisive e una buona dose di umorismo. Vi si percepisce l’energia di un duello verbale, senza confondere questa forma antica con un semplice equivalente del rap contemporaneo. I partecipanti devono ascoltare, rimanere pronti e trovare rapidamente la formula giusta. La virtuosità conta, ma la relazione tra le voci è altrettanto essenziale. Camilleri filma così una tradizione che si pratica nel presente, piuttosto che una reliquia esposta dietro a una vetrina.
Per Mar, l’apprendimento di questo canto apre un nuovo spazio di espressione. Nenu la introduce a queste sfide dove la rabbia può trasformarsi in gioco e poi in parola condivisa. Le parole taglienti le offrono un modo per incanalare ciò che non riesce sempre a dire alla sua famiglia o al suo entourage. La musica non risolve magicamente le difficoltà, e il film non la presenta come una terapia semplicistica. Piuttosto, offre alla giovane donna strumenti per formulare la sua opposizione e prendere il suo posto. In questa trasmissione, il maestro non parla da solo: la sua allieva risponde, inventa e fa evolvere la conversazione.
Un’isola mediterranea tra fascino e fragilità
Il Mediterraneo del film non è un fondale di cartolina immobile. Si rivela attraverso le strade, i luoghi attraversati e le eredità che resistono al cambiamento, mentre la questione del futuro rimane al centro del racconto. Questo approccio può ricordare come un viaggio scopra diversi volti di un territorio, al di là delle sue immagini più familiari. Per prolungare questo desiderio di esplorazione insulare, una fuga a Corfù e i suoi paesaggi del mare Ionio offre un’altra fuga mediterranea. I luoghi vi cambiano, ma la questione dell’equilibrio tra scoperta e trasformazione delle isole rimane particolarmente evocativa.
La circolazione tra tradizione e modernità costituisce uno dei motori più sensibili dell’opera. Malta appare come uno spazio vivo, attraversato dal turismo e dal desiderio legittimo dei giovani di costruire il proprio futuro. In questo contesto, il canto tradizionale diventa un gesto di resistenza culturale: preserva parole, modi di riunirsi e una memoria collettiva. Questa resistenza non prende la forma di un discorso astratto, poiché passa attraverso le voci, gli sguardi e gli scambi tra i personaggi. Il film ricorda così che una cultura rimane viva quando si trasmette, si pratica e si reinventa. La poesia di Camilleri non cancella le tensioni; le conferisce una risonanza umana.
Il gusto per gli itinerari e i luoghi singolari troverà un’eco diversa in una scoperta di Ostuni, la città bianca della Puglia. Questa città italiana, come l’arcipelago maltese nel film, invita a guardare oltre gli attrattivi immediati per interessarsi a ciò che plasma la sua identità. Il viaggio diventa così un modo per prestare attenzione alle tracce, agli usi e ai racconti locali. Nel lungometraggio, questa attenzione si esprime attraverso il percorso di Mar, costretta a riconoscere porzioni di terra che la legano, suo malgrado, alla sua isola. La ricerca fondiaria si trasforma gradualmente in una scoperta di sé. I paesaggi accompagnano questa evoluzione senza mai prendere il posto dei personaggi.
Un film guidato dalla musica, dagli interpreti e da una poesia senza nostalgia
Il fascino del film sta anche nel suo equilibrio tra semplicità ed energia. Camilleri privilegia una narrazione che lascia respirare gli incontri, mantenendo però il movimento del road-movie. La poesia non assume qui l’aspetto di una contemplazione ferma o di una nostalgia confortevole. Si nutre al contrario dell’impulso dei canti, dell’umorismo degli scambi e della frizione tra le generazioni. Le melodie associate a Nenu e a Mar prolungano la loro presenza ben oltre alcune scene. Questa persistenza sonora conferisce al titolo una dimensione quasi incantatrice.
Nenu Borg possiede una presenza solare, rinforzata dal suo aspetto singolare e dal suo modo diretto di occupare lo spazio. Di fronte a lui, Michela Farrugia compone un personaggio più interiore, la cui rabbia non si esprime sempre in modo frontale. La sua interpretazione lascia emergere le esitazioni e gli slanci di Mar senza rinchiuderli in un unico registro. Il contrasto tra i due attori alimenta il cuore emozionale del racconto. Nenu sembra portare una tradizione antica con leggerezza, mentre Mar scopre poco a poco come farla sua. Questo equilibrio conferisce al duo il suo potere seduttivo.
I paesaggi come terreno di esplorazione e risonanza
La camminata, il percorso e la scoperta contribuiscono alla tonalità del racconto, anche se il cuore della storia rimane la relazione tra Mar e Nenu. Per coloro che il film potrebbe stimolare a itinerare, questi luoghi notevoli per escursioni indimenticabili propongono un altro modo di leggere un paesaggio, prendendo tempo per percorrerlo. Nell’opera di Camilleri, la strada non è una parentesi turistica: confronta l’eroina con il suo patrimonio e le sue contraddizioni. È in questa progressione che il racconto trova parte della sua intensità.
La trasmissione musicale non si limita a un apprendimento tecnico. Presuppone un ascolto, una fiducia e l’accettazione di un dialogo tra sensibilità distanti. Nenu non fa di Mar la semplice erede passiva di un sapere che lui avrebbe mantenuto intatto. Nel corso dei loro scambi, la giovane donna risponde a modo suo e apporta al canto un’energia nuova. Questa relazione conferisce al film una visione aperta della tradizione, che rimane viva solo circolando tra le persone. L’antico e il contemporaneo smettono quindi di opporsi meccanicamente.
La rabbia di Mar costituisce uno dei fili emozionali più importanti del film. Porta il peso di una famiglia che fatica a comprenderla, ma anche la sua inquietudine di fronte a un futuro difficile da disegnare. Scoprendo il għana, non perde questa rabbia; impara a darle forma, ritmo e voce. Questo spostamento rende la sua evoluzione più convincente di un’apertura improvvisa. La musica diventa una forza di trasformazione, senza cancellare i dissensi né le costrizioni che la circondano.
Questa alleanza di bellezza e movimento può anche evocare i dintorni del lago di Garda, gioiello del nord Italia, un altro territorio in cui il viaggio si costruisce al ritmo dei paesaggi e delle soste. Il parallelo si basa meno su una somiglianza geografica che sul piacere di esplorare un luogo nelle sue sfumature. Anche il film invita a non ridurre una destinazione a un’immagine seducente. Dietro all’attrattiva mediterranea di Malta emergono questioni di memoria, trasmissione e spazio concessa alle nuove generazioni. Questa profondità sociale conferisce al percorso di Mar una portata che supera la sua ricerca iniziale.
Un’opera premiata che fa della cultura un atto di resistenza
La forza del lungometraggio risiede anche nella sua capacità di far coesistere tonalità diverse. Può essere gioioso senza essere leggero, malinconico senza rinchiudersi nel rimpianto e contemplativo pur mantenendo una vera vivacità. Questa ampiezza consente all’incontro tra Mar e Nenu di mantenere la sua spontaneità. Il loro legame non si costruisce come una lezione impartita da un personaggio all’altro, ma come uno scambio in cui ognuno si trasforma. Il film preferisce la delicatezza dei gesti e delle repliche all’esplicazione insistente. Il canto agisce come una memoria in movimento.
Mostrando una pratica orale in azione, Camilleri attira l’attenzione su ciò che rischia di scomparire quando le tradizioni non trovano più interlocutori. La cultura è presentata come un’esperienza condivisa, ma anche come una lotta per continuare a esistere in un ambiente che cambia rapidamente. Questa idea assume una particolare risonanza in un mondo in cui le espressioni artistiche e i luoghi di creazione sono talvolta fragile. Il film non trasforma il suo racconto in un manifesto; piuttosto radica le sue preoccupazioni nella relazione tra due esseri. È su questa scala intima che rende la sua riflessione accessibile. Il progetto è stato infatti premiato a Tribeca, dove Alex Camilleri ha ricevuto il premio per la miglior sceneggiatura.
Il viaggio può assumere forme molto diverse a seconda dei legami che si cercano di riannodare e dei luoghi che si scelgono di esplorare. Per una fuga a due, queste fughe romantiche in Francia delineano un’altra idea di spostamento, più intima e rivolta alla condivisione. Presso Camilleri, l’essenziale non sta però solo nella destinazione, ma in ciò che il percorso rende possibile tra i suoi personaggi. Mar e Nenu imparano a incontrarsi al di là delle loro differenze di età e esperienza. La loro complicità nasce nelle parole, nei silenzi e nei ritmi che addomesticano insieme. L’isola diventa così uno spazio dove il passato può dialogare con il presente.
Con il suo racconto di terreni da ritrovare, strade che deviano e sfide cantate, Il Canto degli Ulivi compone un ritratto sensibile di Malta. Il film associa l’ardore di una giovane donna all’esperienza di un artista che porta una tradizione nella sua voce da decenni. Il loro incontro apre uno spazio dove la rabbia si trasforma in espressione e dove la memoria collettiva si rivolge a nuovi ascoltatori. L’opera conserva infine una freschezza particolare: guarda al patrimonio non come a un oggetto immobile, ma come a una materia capace di sorprendere e vibrare nel presente.
In Il Canto degli Ulivi, Alex Camilleri trasforma un viaggio attraverso Malta in un’avventura interiore, portata dai paesaggi dell’arcipelago e dalle voci che li abitano. Dopo la morte di sua madre, Mar scopre di dover ritrovare dei terreni ereditati, mentre considera di lasciare l’isola. Questa ricerca concreta diventa gradualmente una deviazione inaspettata: la giovane donna incontra Nenu, cantante di għana, la cui presenza sposta il racconto in un territorio dove si incrociano memoria, rabbia e trasmissione.
Attraverso i loro scambi, il film fa scoprire una tradizione musicale maltese fondata sull’improvvisazione, la replica e la potenza delle parole. Le sfide di għana possiedono l’energia di uno scontro, ma anche la libertà di un gioco. Nenu introduce Mar a quest’arte orale, che passa da una generazione all’altra senza cristallizzarsi. Per lei, cantare diventa un modo per dare forma a ciò che fatica ad esprimere: il suo sentimento di essere incompresa, il suo desiderio di indipendenza e le sue preoccupazioni per il futuro.
Il duo riunisce due temperamenti e due età che tutto sembrano separare all’inizio. Nenu, figura singolare e custode di un’eredità vivente, porta al film una luce maliziosa. Di fronte a lui, Mar lascia emergere un’intensità contenuta, poi scopre una voce che le appartiene. Il loro incontro non annulla le loro differenze; apre piuttosto uno spazio di dialogo, dove l’umorismo e la musica diventano passerelle tra le loro esperienze.
Alex Camilleri filma così un’isola attraversata da tensioni: tra tradizione e modernizzazione, attaccamento e partenza, eredità familiare e libertà personale. La dolcezza dei paesaggi non cancella il disagio di Mar né le incertezze che gravano sulla sua generazione. In questo equilibrio tra malinconia e vitalità, il canto agisce come una memoria in movimento, plasmata da coloro che la riprendono. Le sue risonanze accompagnano il percorso di Mar, mentre la cultura maltese afferma la sua presenza nel cuore stesso del cambiamento.
