Dos visiones del cine yakuza, entre la furia de Norifumi Suzuki y el universo de Teruo Ishii

En 1973, dos películas protagonizadas por Reiko Ike dan vida a Inoshika Ochō, una heroína de manga que se convierte en yakuza para perseguir a los asesinos de su padre. Sex & Fury e Historia de una mujer yakuza comparten un marcado gusto por la acción, el erotismo y la violencia, pero siguen caminos estéticos muy distintos. La primera adopta la eficacia deslumbrante de Norifumi Suzuki, mientras que la segunda lleva a Teruo Ishii hacia una forma de espectáculo más libre y desconcertante.

Una heroína vengativa en el corazón del cine de explotación japonés

Los dos largometrajes son producidos por Toei y se inscriben en la corriente de la pinky violence, en la que los enfrentamientos sangrientos conviven con las escenas sensuales. Su protagonista tiene una trayectoria singular, marcada desde la infancia por el asesinato de su padre. Ya adulta, Ochō se adentra en el mundo de los clanes para encontrar a los responsables de aquella tragedia. Reiko Ike le confiere una presencia elegante y temible a la vez.

La joven está lejos de limitarse a su deseo de venganza. Sabe manejar la espada y las armas de fuego, domina las artes marciales y es tan hábil en el hurto como en los juegos de azar. Estos talentos le permiten desenvolverse en un universo dominado por los hombres sin someterse a él. Su inteligencia táctica cuenta tanto como su fuerza física.

La trayectoria de Inoshika Ochō

En Sex & Fury, su vendetta se complica rápidamente. Ochō se ve envuelta en una conspiración política que va más allá de las disputas habituales entre bandas. Los enemigos con los que se cruza no solo son violentos, sino también manipuladores. Aprende a volver sus intenciones en su contra. Así, el relato transforma su venganza personal en una lucha contra intereses más amplios. Esta evolución alimenta el ritmo de la película.

La segunda entrega desplaza el conflicto al tráfico de drogas. Ochō debe responder a la muerte de su antiguo jefe de clan y, al mismo tiempo, enfrentarse a una red criminal organizada. El cambio de situación renueva los desafíos sin borrar los elementos centrales de la primera película. La protagonista sigue en el centro de un mundo donde la lealtad se paga cara. Su autonomía se convierte en una fuerza narrativa esencial. Impone su presencia en medio de las rivalidades masculinas.

Las dos historias se apoyan en códigos familiares del cine de género, pero su heroína altera sus equilibrios. Los hombres a menudo intentan controlar su cuerpo, sus decisiones o su destino. Sin embargo, Ochō conserva la iniciativa y responde a las amenazas con una estrategia propia. La venganza se convierte entonces en un medio para recuperar el poder, en lugar de ser un simple pretexto para la acción. Esta dimensión distingue el díptico de un relato centrado únicamente en los enfrentamientos. No elimina las ambigüedades del género, pero les imprime una tensión particular.

Norifumi Suzuki: la eficacia y el esplendor de Sex & Fury

Como director de Sex & Fury, Norifumi Suzuki trabaja con los ingredientes que espera el público de la pinky violence. Combina combates, sensualidad y exceso en una puesta en escena directa. La película no intenta ocultar su pertenencia al cine de explotación. Al contrario, asume su energía provocadora. Esta franqueza le confiere un carácter inmediatamente reconocible. El espectáculo avanza sin rodeos.

La fotografía es uno de sus atractivos más destacados. Los encuadres realzan los decorados y el vestuario, mientras que los colores vivos acentúan el carácter estilizado de las escenas. Las secuencias de combate también están cuidadas. La imagen no se limita a ilustrar la trama, sino que forma parte de su identidad visual. La forma vuelve más teatrales todos los enfrentamientos. No obstante, esta búsqueda sigue al servicio de un relato concebido para cautivar rápidamente.

Suzuki orquesta la película como un profesional del entretenimiento popular. Mantiene un ritmo ágil y alterna los acontecimientos para reavivar la atención. Algunas escenas eróticas pueden parecer insistentes o repetitivas, sobre todo cuando están concebidas para provocar en lugar de hacer avanzar la historia. Por tanto, la película no escapa a las limitaciones de su época y de su género. Pero su energía sigue siendo contagiosa. Las hazañas de Ochō son el principal motor del relato. La violencia, por su parte, se presenta como un componente espectacular del mundo representado.

La presencia de Christina Lindberg también pone de relieve la ambición de proyección internacional de la película. La obra se dirige ante todo al público japonés, pero muestra señales de apertura a otros mercados. Esta orientación comercial no resta eficacia visual a la película. Más bien, arroja luz sobre ciertas decisiones de tono y reparto. Suzuki ofrece una película accesible en sus recursos, pero generosa en colores y escenas de acción. Su furia reside en esta combinación de claridad y exuberancia. Al año siguiente, el director firmaría El convento de la bestia sagrada, otro título importante de su trayectoria.

Teruo Ishii: del relato criminal a la performance visual

Con Historia de una mujer yakuza, Teruo Ishii se aleja de las expectativas de un relato de venganza convencional. La película conserva los ingredientes del cine de explotación, pero los organiza de forma más imprevisible. A veces, las escenas parecen obedecer a su propia lógica en vez de a las etapas de una trama policial clásica. Esta libertad puede desconcertar. También ofrece el placer del descubrimiento. Ishii da prioridad a las sensaciones, las imágenes y los cambios de tono. Se invita al espectador tanto a mirar como a seguir la historia.

Los créditos iniciales anuncian este enfoque con una secuencia de combate en la que Ochō se va desvistiendo. La escena combina sensualidad, enfrentamiento y una composición cuidadosamente calculada. Las restricciones de censura sobre la representación del cuerpo hicieron que su realización fuera especialmente delicada. Sin embargo, el efecto buscado no se basa únicamente en la provocación. Los movimientos y los encuadres establecen desde el principio una visión singular. Ishii convierte la exposición del cuerpo en un acontecimiento de puesta en escena. Los créditos se convierten casi en un manifiesto estético.

Esta búsqueda se prolonga en la forma en que la cámara acompaña a los personajes. Los desplazamientos, los cambios de eje y el montaje dan a varias escenas el aire de una coreografía. Los cuerpos parecen moverse en un espacio a la vez concreto y artificial. El decorado puede evocar entonces más un escenario teatral que un entorno realista. A veces, la narración queda relegada a un segundo plano tras la organización de los movimientos. Este enfoque no siempre facilita la comprensión de la trama. Sin embargo, crea una experiencia visual sorprendentemente lúdica. El aparente desorden tiene su propio ritmo.

La película también incluye momentos cercanos a la pantomima. Una secuencia en la que unos bailarines maquillados representan a personas consideradas locas destaca por su extrañeza. Sus expresiones exageradas y sus gestos componen una imagen casi irreal. Puede percibirse en ella un eco de las experimentaciones teatrales de Shūji Terayama o de ciertas búsquedas del butō. Estas asociaciones no reducen la película a una cita erudita. Más bien, ponen de manifiesto su capacidad para incorporar formas diversas a un espectáculo popular. El exceso se convierte aquí en un lenguaje visual.

El tráfico de drogas proporciona a la trama un motivo particularmente sórdido, tratado según las convenciones desmesuradas del género. Ishii no intenta presentar esta materia de forma discreta ni realista en sentido estricto. La convierte en un elemento de un universo carnavalesco, donde lo grotesco y lo macabro conviven con el deseo. El resultado puede ser perturbador, sobre todo para un público poco familiarizado con el ero-guro. Esta estética combina erotismo, deformidad, violencia y humor negro. Convierte la trama criminal en un terreno de experimentación. Así, la película parece menos preocupada por la verosimilitud que por la intensidad.

Los enfrentamientos finales llevan esta lógica a su punto culminante. La coreografía, los gestos y el espacio prevalecen sobre la explicación psicológica. La acción parece desarrollarse ante un público invisible, como si los personajes ocuparan un escenario. Esta estilización acerca el chambara a la performance. La violencia se convierte en un movimiento compuesto, sin perder su capacidad de impacto. Así, la película yakuza abandona el terreno exclusivo de la virilidad triunfante. Las mujeres que la habitan, en particular Ochō y las prostitutas rebeldes, participan en una lucha contra la autoridad masculina. Esta lectura no borra las contradicciones de una obra concebida dentro de un género destinado en gran medida a seducir a un público masculino.

Dos sensibilidades reunidas en una misma edición

La diferencia entre Suzuki e Ishii no se limita al grado de violencia o sensualidad. Se manifiesta en la relación entre el relato y la imagen. Suzuki privilegia una narración clara, peripecias eficaces y una estética colorida que sostiene el espectáculo. Ishii, por su parte, acepta los desvíos, las rupturas y las secuencias que parecen suspender la trama. Uno afina los códigos populares. El otro los lleva hacia una forma más experimental. El díptico revela así dos maneras de desbordar los límites del cine de género.

Sin embargo, lo que tienen en común es el lugar que conceden a Reiko Ike. Su interpretación conecta ambas películas a pesar de sus diferencias de tono. Da a Ochō una fuerte presencia visual y una determinación constante. La heroína atrae las miradas, pero también actúa, asume riesgos e impone sus decisiones. Esta doble condición, como figura del espectáculo y personaje motor, constituye el núcleo de la ambivalencia de las obras. Permite cuestionar la representación de las mujeres sin pretender resolver todas las tensiones propias de la pinky violence.

Su influencia se prolongó mucho más allá de su estreno. Los aficionados al cine de acción japonés encontrarán en ellas motivos que han nutrido a varias generaciones de espectadores y cineastas. A menudo se señala el vínculo con Kill Bill, de Quentin Tarantino, especialmente por la energía de los combates y el imaginario de venganza. Este linaje da testimonio de la circulación internacional de las imágenes del cine de explotación. Para explorar otros territorios del cine japonés de género, también se puede descubrir esta presentación de Los samuráis del shogun, de Kinji Fukasaku. Ofrece otra puerta de entrada a una historia en la que los relatos de poder y los enfrentamientos adoptan formas diversas.

Las ediciones en Blu-ray de Le Chat qui fume permiten redescubrir ambas películas en presentaciones dedicadas. La edición de Sex & Fury incluye un libreto de cuarenta páginas con fotografías raras procedentes de los archivos de Toei. También ofrece una intervención de Clément Rauger de unos treinta y cuatro minutos y un tráiler. El disco dedicado a Historia de una mujer yakuza incluye también un libreto de fotografías y una entrevista con Clément Rauger, de unos treinta y dos minutos. Un tráiler completa los extras. Estos materiales documentales arrojan luz sobre las decisiones de dirección y sitúan las películas en su contexto de producción. Acompañan a dos obras cuyas imágenes siguen siendo el centro de la experiencia.