Powróciwszy do Lozanny po raz 25., LUFF rozgrzał październik rytmem kina wolnego, dziwnego i nieposkromionego. Od mocnego otwarcia filmem Burn po undergroundowy rock i odnalezione klasyki — ta pierwsza relacja przybliża festiwal, na którym odkrywanie idzie w parze z oporem.
W Lozannie dwudziesta piąta edycja festiwalu powróciła do dzieł niepokornych, nieoczekiwanych spotkań i doświadczeń wykraczających poza ekran. Od otwarcia filmem Burn po spotkanie z buntowniczym rockiem zespołu Fugs pierwsze dni przeplatały emocje, prowokację i odkrycia. Ten pierwszy festiwalowy dziennik prowadzi również przez bluźniercze wizje Kena Russella i majsterkowany, dezorientujący świat Maria Merciera.
Otwarcie między pamięcią a niepokojem
W środę 14 października sala Paderewski gościła wieczór inaugurujący festiwal, w atmosferze jednocześnie świątecznej i pełnej wspomnień. Julien Bodivit, dyrektor artystyczny festiwalu, wspominał początki projektu z czerwca 2002 roku, kiedy jego zespół wyobrażał sobie wspólne wydarzenie w dawnej lozańskiej szkole chemicznej. Budynek stał się alternatywnym ośrodkiem kultury, zanim zniknął z miejskiego krajobrazu.
To wspomnienie wykraczało poza zwykłą nostalgię. Inne niezależne przestrzenie, w Szwajcarii i poza jej granicami, są osłabiane przez rosnące koszty, wymogi remontowe i ujednolicanie, które pozostawia niewiele miejsca na wyjątkowe inicjatywy. Przesłanie skierowane do publiczności było jasne: te miejsca potrzebują wsparcia, środków i uwagi.
Sam festiwal również musi mierzyć się z niepewną przyszłością takich miejsc. Casino de Montbenon, w którym zwykle odbywa się znaczna część pokazów i koncertów, wkrótce przejdzie gruntowny remont. Zespół będzie więc musiał znaleźć nową siedzibę do 2029 roku, a rozwiązanie wciąż nie zostało ustalone.
Mimo to wieczór zwrócił się ku przyszłości, zapowiadając bogaty program: 113 filmów i 33 propozycje dźwiękowe, czyli rozległy teren do odkrywania dla festiwalowej publiczności. Obrona niezależnych przestrzeni kultury znalazła więc odzwierciedlenie w samym programie. Opór oznacza tu także dalsze pokazywanie wolnych dzieł.
Burn — otwarcie stawiające na kontrasty
Porzucone dzieciństwo w sercu Tokio
Film otwierający festiwal, Burn, drugi pełnometrażowy obraz Makoto Nagahisy, zanurza widzów w codzienności Toyoko Kids. Ci młodzi ludzie spotykają się na ulicach Kabukichō, tokijskiej dzielnicy kojarzonej z nocnym życiem, choć często są pozostawieni sami sobie. Reżyser skupia się na ich losach, a nie tylko na barwnym wyglądzie ich świata.
Ta uważność nadaje opowieści szczególną głębię. Choć film jest fikcją, opiera się na badaniach przeprowadzonych wśród osób mierzących się z podobnymi realiami i stara się oddać konkretne doświadczenia, nie sprowadzając ich do efektownej scenografii. A jednak zachowuje pełną energii, figlarną wizualną formę, podszytą nadzieją. Mrok nigdy nie gasi tu całkowicie życiowego pędu.
Poruszające, niekiedy wyczerpujące doświadczenie
Na seanse inaugurujące festiwal przychodzi się czasem z przyzwyczajenia albo z ciekawości. Ten szybko rozwiał wrażenie, że mamy do czynienia z wydarzeniem czysto ceremonialnym. Nagahisa stworzył nieprzewidywalny i hojny film, który potrafi przejść od czułości do brutalności, a potem od niespodziewanego śmiechu do sceny głęboko bolesnej.
Ze względu na rozczarowanie światem może przyjść na myśl Lilya 4-ever, a w niektórych porywach pobrzmiewa bujność Love Exposure. Jednak Burn nie poprzestaje na zapożyczaniu barw z innych dzieł. Podąża własnym torem, z odważnymi zmianami tonu i inscenizacją pełną pomysłowych rozwiązań.
Film porusza trudne tematy, w tym przemoc wobec dzieci i wykorzystywanie seksualne. Wymagają one szczególnej uwagi i mogą sprawić, że seans będzie trudny. Z drugiej strony postacie są nakreślone z wielką precyzją, obsada przekonuje, a pośród zamętu pojawia się kilka chwil łaski. Warto wypatrywać premiery kinowej, jeśli interesuje was współczesne kino japońskie, nie pomijając jednak ostrzeżeń dotyczących treści.
Fugs — rock jako akt oporu
W piątek 16 października festiwal zaprezentował Fugs Film, dokument o nowojorskim zespole, którego historia łączy poezję, prowokację i muzykę. Reżyser Chuck Smith dotarł do Lozanny tuż przed pokazem, po pełnej przygód podróży. Mimo wyścigu z czasem cieszył się, że może pokazać swój film publiczności, która być może nie znała zespołu Fugs.
Dla niewtajemniczonych dokument stanowi przystępne wprowadzenie do świata zespołu. Smith osadza jego historię w burzliwym nurcie sceny beatnikowskiej i psychodelicznej, pośród politycznych i społecznych wstrząsów lat 60. Rewolucja seksualna, wojna w Wietnamie i przemiany kultury popularnej splatają się tu ze sobą, nie zamieniając opowieści w skostniałą lekcję.
Film przede wszystkim zaraża ciekawością. Kilka piosenek usłyszanych na ekranie może wystarczyć, by zachęcić do dalszego odkrywania, a świadectwa przybliżają śmiałość artystów, którzy nie chcieli oddzielać twórczości od zaangażowania. Ważni członkowie zespołu już nie żyją, ale Ed Sanders i Ken Weaver wciąż są wśród nas. Ich obecność przypomina, że to dziedzictwo pozostaje żywe i nie ogranicza się do nostalgii.
Chuck Smith nie zamienia zespołu w skamielinę z wyidealizowanej przeszłości. Pokazuje raczej, jak piosenka, literatura i humor mogą wspierać wolną myśl w obliczu władzy. Dokument staje się więc żywym archiwum, ale też zestawem narzędzi dla współczesnych twórców. Jego energia bierze się zarówno z pamięci o Fugs, jak i ze zdolności do przekazywania ich dziedzictwa.
Diabły — siła wspólnego seansu
Odnaleziona wersja, festiwalowe wydarzenie
Pokaz Diabłów Kena Russella nadał sali Paderewski uroczysty charakter. Przed filmem programer Eric Peretti opowiedział o długich poszukiwaniach scen wyciętych z pierwotnej wersji. Kilku pasjonatów, w tym Mark Kermode, przez lata kontynuowało te starania, aż w końcu przekonali Warnera do ponownego udostępnienia obrazów, które od dawna uważano za zaginione.
Ta rekonstrukcja pozwala ponownie obejrzeć dzieło, którego losy naznaczyły cięcia i starcia z cenzurą. We wprowadzeniu Peretti opowiedział również o warunkach realizacji, intensywnej pracy z aktorami i plotkach, które towarzyszyły projektowi. Jego pełna życia opowieść wytworzyła szczególne napięcie, zanim jeszcze pojawiły się pierwsze obrazy.
Klasyk, który wciąż rozpala
Na wielkim ekranie film zachowuje imponującą siłę wizualną. Scenografia Dereka Jarmana zachwyca, a świat Russella łączy przesadę, pożądanie i przemoc polityczną. Oliver Reed emanuje magnetycznym charyzmatem, a Vanessa Redgrave robi piorunujące wrażenie.
Odnalezione sceny nadają całości jeszcze bardziej niepokojący i zmysłowy wymiar. Pogłębiają pytania stawiane przez film o tłumienie pragnień i polityczne wykorzystywanie wymiaru sprawiedliwości — kwestie, które wciąż są aktualne. Seans przypomniał też, co potrafi zdziałać kino, gdy ogląda się je wspólnie: po wyjściu z sali widzowie wciąż zdawali się pochłonięci zawrotem głowy wywołanym projekcją. W pełnej sali wstrząs, jaki wywołuje film, staje się niemal wspólnym doświadczeniem.
La Goulve — osobliwość, która dzieli
Po intensywnym seansie Diabłów festiwal zmienił ton za sprawą La Goulve, filmu Maria Merciera z 1972 roku. Eric Peretti uprzedził publiczność, że ten nocny seans będzie wymagał pewnej wyrozumiałości. Film należy do retrospektywy poświęconej Mercierowi, którego wyobraźnia łączy wymyślone legendy, ezoterykę i transgresję.
Film powstawał w skromnych warunkach, z udziałem amatorów i przy produkcji, która chciała wzmocnić erotyczny wymiar projektu. Po komercyjnej porażce dzieło niemal zniknęło, aż taśmy wypłynęły na światło dzienne w piwnicy w głębi regionu Nicei. Wydawnictwo Le Chat qui Fume przyczyniło się później do jego powrotu na ekrany.
Seans nie pozostawił wszystkich z jednakowymi odczuciami. Niektórzy widzowie wyszli z sali już na samym początku, inni zaś poddali się jego przypadkowemu urokowi. Tajemniczy dubbing, niepewna gra aktorska i chwilami niezgrabny scenariusz mogą zbić z tropu; ta nieporadność buduje jednak również osobliwą poetyckość, balansującą między szczerością a śmiesznością.
Film wpisuje się w nurt osobliwości cenionych przez festiwal, obok marginalnych produkcji wymykających się dominującym normom. Ich wartość nie zawsze zależy od klasycznego rozumienia sukcesu. Swoboda realizacji, szorstkość i odrzucenie utartych dobrych manier sprawiają, że są to dzieła żywe. Ten seans przedłużył więc, w bardziej chaotycznym tonie, festiwalową refleksję nad formami oporu kulturowego.
Festiwal, który robi miejsce dla dzieł niepokornych
Od współczesnych opowieści o zagrożonej młodzieży po filmy przez lata cenzurowane — pierwsze dni festiwalu przyniosły program uważny na marginesy. Formy nieustannie się zmieniały: dokument muzyczny, wybuchowe kino japońskie, odrestaurowany klasyk czy zapomniany poemat erotyczny. Ta różnorodność wymagała od publiczności zgody na to, by nie wszystko z góry rozumieć.
To również wyróżnia wydarzenie takie jak LUFF. Odkrycie może wstrząsnąć, rozśmieszyć, zirytować albo wprawić w zakłopotanie; nie musi podporządkowywać się jednej definicji udanego filmu. W lozańskich salach różnice między dziełami stawały się źródłem ciekawości, a nie przeszkodą.
Pierwsze pokazy zmieniły festiwal w przestrzeń spotkań pokoleń, wrażliwości i różnych historii kina. Zapowiedziany program dźwiękowy obiecywał kolejne formy przekraczania granic, a retrospektywa Merciera trwała nadal. W Lozannie rzadkie taśmy jeszcze nie przestały wychodzić z cienia.
LUFF 2026 — święto, które już spogląda w przyszłość
W Lozannie LUFF 2026 rozpoczął się od przypomnienia, że undergroundowa przygoda zależy zarówno od filmów, jak i od miejsc, które je goszczą. W sali Paderewski wspomnienie Ancienne École de Chimie i zagrożonych przestrzeni kultury nadało 25. edycji solidarnościowy ton. Festiwal nie poprzestaje na wyszukiwaniu rzadkich dzieł: broni również warunków niezbędnych do ich tworzenia, rozpowszechniania i spotkań z publicznością. Planowany remont Casino de Montbenon stawia już konkretne pytanie: gdzie festiwal będzie miał swoją siedzibę do 2029 roku?
Program ekranowy w pełni spełnił obietnicę przeniesienia w inny świat. Burn Makoto Nagahisy zabrał widzów w podróż przez japońską opowieść, jednocześnie figlarną, mroczną i wstrząsającą, a dokument poświęcony Fugs przywołał wolność rocka i buntowniczej poezji. Pokaz Diabłów Kena Russella w wersji nieocenzurowanej zmienił salę w przestrzeń zbiorowego oszołomienia. Na drugim krańcu spektrum La Goulve Maria Merciera podzielił publiczność: jedni pospiesznie wychodzili, inni byli zafascynowani jego osobliwym majsterkowaniem.
Te różnice tonu kształtują charakter LUFF: programu, w którym wirtuozeria sąsiaduje z osobliwością, niedoskonałe dzieła również znajdują dla siebie miejsce, a ciekawość bierze górę nad przyzwyczajeniami. Dzięki 113 filmom i 33 występom dźwiękowym festiwal wytycza liczne boczne ścieżki i zachęca do niespodziewanych odkryć. Pierwsze dni stworzyły atmosferę entuzjazmu, dyskusji i niespodzianek, a na lozańską publiczność czekają jeszcze kolejne seanse. Dalsza część tej edycji zapowiada kontynuację eksploracji, bez z góry wyznaczonej trasy.
